Taller de Arte, 5 de noviembre

Taller de Arte II

Sábado 5 de noviembre de 2016

Docente: Ana Castelán

En el taller del día hoy, el objetivo fue que las y los adolescentes hicieran una búsqueda de texturas, textos y color, con los cuales pudieran realizar un collage. Ana dio una explicación muy completa sobre algunas vanguardias artísticas del siglo XX, ahondando en el Expresionismo, en el Cubismo y en el Dadaísmo; que sirvió de base para todas las actividades de la sesión.

Ana dio la bienvenida al grupo e inició la clase con la explicación de los movimientos artísticos antes mencionados y los contextos socio culturales en los que se desarrollaron:

En el Siglo XX, los valores estéticos que habían sido establecidos se alteraron; el artista, inmerso en estos cambios, se sitúa en una nueva dimensión y la innovación en todos los campos de la expresión artística definen esta etapa. Es importante tener en cuenta la fecundidad del arte contemporáneo, que provoca la aparición de corrientes yuxtapuestas, a veces de efímera duración, reflejo de los cambios acontecidos y de la gran capacidad creadora del hombre.

La pintura sufre la mayor transformación, rompiendo con las convenciones establecidas desde el Renacimiento sobre la perspectiva y sobre la representación figurativa. El artista busca una forma diferente de expresar las realidades cambiantes, dan valores subjetivos al color e insisten en la velocidad y la simultaneidad, como elementos condicionantes de la vida contemporánea.

Las tensiones sociales y políticas son graves durante la primera mitad de siglo, y tanto la guerra como el periodo en entre guerras, provocan en los artistas ira, frustración ante lo absurdo, necesidad de expresar la dureza del mundo que están viviendo, distanciándose de los lenguajes y de las formas tradicionales. Es importante tener en cuenta que muchos de los artistas de las primeras vanguardias se afilian o participan activamente en movimientos políticos de diferentes signos. La guerra afecta directa e indirectamente a los hombres y la presión psicológica y el testimonio de la catástrofe quedan presentes en la obra gráfica de los vanguardistas.

Ana: En esta ocasión, nos centraremos en el Expresionismo alemán, el Cubismo y Dadaísmo principalmente, así como en su obra y exponentes.

El Expresionismo se denomina como un movimiento en el que prima la expresión subjetiva sobre la representación de la objetividad; se plantean las angustias vitales del hombre y por esto tiene una carga dramática, pesimista y crítica. Este término engloba obras y autores de un amplio período, aunque el país donde esta vanguardia alcanza mayor intensidad es en Alemania. Sus rasgos generales se acentúan en períodos de crisis; el valor fundamental es la libertad individual de expresión, pero con nexos comunes: el artista expresa emociones, queriendo reproducir en el espectador sus sentimientos; los momentos de tensión, frustración y desgarramiento político,provocan en la paleta de estos pintores la expresión de un grito de protesta.

En Alemania, las ciudades de Dresde, Munich y Berlín son los centros culturales y de contactos artísticos, junto con París, donde surgen agrupaciones de artistas que perfilan el Expresionismo.

El Dadaísmo es un movimiento nacido en Europa, la palabra «dadá» hace referencia al azar y no pretende significar nada; algunos intereses comunes del dadaísmo fueron expresar el estado de ánimo negativo a través de la destrucción, frente a la hecatombe bélica. El manifiesto de 1918 dice que el arte es una idiotez… todo lo que se ve es falso. Además se sienten desencantados personalmente, ante lo absurdo de la política y adoptan un aire anárquico, tomando el lema de Bakunin, como bandera en el campo artístico: la destrucción también es creación.

La forma que adoptan es la provocación, el escándalo, la destrucción como manifiesto de ruptura y negación del arte; el dadaísmo critica al arte y a la cultura burguesa, niega la racionalidad habitual y extiende la crítica al capitalismo y al fascismo. Partiendo de estos pensamientos, dadá es una de las vanguardias más radicales que imponen una auténtica mutación en el arte contemporáneo; se abandonan las preocupaciones estéticas tradicionales  y el espíritu de ruptura a través del escándalo, provocando una gran libertad creadora que da sus frutos en collages, fotomontajes y pinto-esculturas, técnicas que se mantendrán de moda en la década de 1960 y 1970.

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida; George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino; la pintura de Cézanne no fue una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas, que una vez creadas, se relacionan entre sí, surgiendo varios los planos, que lo impulsan a mirar los objetos desde varios puntos de vista. Estas lecciones fueron asumidas por el cubismo, que hizo un replanteamiento de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla.

El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así, un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno; desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones; las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas; nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada.

Al concluir la explicación, Ana proyectó un video para ejemplificar mejor las vanguardias mencionadas y se hizo un repaso sobre el tema de los colores primarios (el color material), secundarios y complementarios. Finalmente dio las instrucciones para trabajar un collage de manera libre, sólo manteniendo la limpieza del trabajo, siendo cuidadosos al recortar el papel y al pegarlo.

Ana. – Lo divertido de esto es que a pesar de que no tengan mucha idea de los que están pegando o si lo están haciendo de manera azarosa, hay una segunda oportunidad de mejorarlo con acrílico, siempre hay posibilidades…

El grupo trabajó arduamente en la producción del collage, al finalizar se obtuvieron productos muy interesantes; la gran mayoría de las y los adolescentes se dedicaron con empeño y entusiasmo en su obra, algunos trabajos quedaron pendientes para la siguiente sesión.